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현대 미술

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목차

1. 개요

현대 미술은 19세기 후반부터 20세기 초 모더니즘의 실험 정신을 바탕으로 전통적인 묘사에서 벗어나 추상을 지향하며 시작되었다. 20세기에는 야수파, 표현주의, 입체파 등 다양한 미술 운동이 전개되었으며, '순수에의 의지'를 공통 과제로 삼아 사실주의 미학에서 벗어나 미술의 자율성과 순수성을 회복하려 했다. 제2차 세계 대전 이후에는 앵포르멜, 액션 페인팅 등이 등장하며 다양한 사조가 나타났고, 1960년대에는 미니멀리즘, 팝 아트, 개념 미술 등이, 1970년대에는 포토리얼리즘, 페미니즘 아트 등이 등장했다. 1980년대 이후에는 뉴미디어 아트, 신표현주의 등이 나타났으며, 2000년대에는 가상 세계를 적극적으로 수용하는 경향을 보였다. 현대 미술은 재료, 형태, 주제 등 다양한 특징을 가지며, 대중의 가치관과 상반된다는 비판과 무엇이 예술인가에 대한 논쟁이 지속적으로 이어지고 있다.

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현대 미술
현대 미술
호안 미로의 도나 이 오셀
호안 미로의
이사 겐츠켄의 장미
이사 겐츠켄의 장미
정의 및 범위
정의일반적으로 1940년대부터 현재까지의 미술 작품을 지칭
범위이전의 모더니즘 운동 이후의 미술을 포괄
포스트모더니즘과 동시대 미술을 포함
모더니즘과의 관계모더니즘의 전통을 이어가면서도 새로운 표현 방식과 주제를 탐구
기존의 예술 관념과 형식을 넘어서려는 시도가 특징
특징
다양성다양한 매체 (회화, 조각, 설치, 비디오, 퍼포먼스 등)를 사용
다양한 양식과 주제를 포괄
하나의 스타일이나 운동으로 정의하기 어려움
상호작용미술 작품과 관람객 간의 상호작용을 중요하게 여김
작품이 전시되는 맥락과 사회적 의미를 강조
미술의 개념과 목적에 대한 비판적 성찰
급진성새로운 기술과 매체를 적극적으로 활용
기존의 예술 관습에 도전하고 실험
사회적, 정치적 문제에 대한 관심을 반영
주요 미술 운동
주요 운동개념주의
미니멀리즘
팝아트
포스트모더니즘
추상표현주의
플럭서스
비디오 아트
한국 현대 미술
한국 미술의 특징단색화 운동
민중미술 운동
다양한 매체를 활용한 실험적인 작품 활동
국제적인 미술 흐름과의 교류
대표적인 작가백남준
이우환
박서보
김환기
이건용
추가 정보
참고 자료모마(MoMA) - 현대 미술이란 무엇인가
NYU Steinhardt, 미술 및 예술 직업 학과, 뉴욕
관련 용어근대 미술과 현대 미술

2. 현대미술에 영향을 준 동향

현대 미술은 1860년대에서 1970년대에 이르는 예술 작품들과 그 시대의 예술 형식 및 철학을 포괄하며, 모더니즘의 실험 정신을 바탕으로 과거의 전통을 벗어던진 예술과 관련되어 있다.[92][93] 현대 미술가들은 새로운 시각과 예술 재료, 역할에 대한 신선한 아이디어를 실험했으며, 전통적인 묘사에서 벗어나 추상을 지향하는 경향이 강했다.

제2차 세계 대전 이후, 전후 미술은 더욱 과격한 미학적 모험과 실험을 거듭했다. 앵포르멜 미술과 액션 페인팅의 등장은 전쟁 이전의 고전적 추상미학에 종지부를 찍었으며, 이후 팝 아트, 옵 아트, 키네틱 아트, 라이트 아트, 정크 아트, 개념 미술 등 다양한 '아트(art)'들이 등장했다.[94]

전쟁 전후 미술은 '이즘(ism)'과 '아트(art)'로 구분되기도 하지만, 더 근본적인 미학적 이념의 차이가 존재한다. 20세기 전반기 미술이 조형의 문제를 중심으로 새로운 추구를 했다면, 전후 미술은 조형이라는 우상마저 거부하고 창조 행위 자체의 본질을 규명하려는 과제를 안고 있었다. 추상미술은 조형 문제를 가장 순수한 상태로 집약한 국제적인 표현 형태이며, '오브제 미술'을 거쳐 개념 미술이 등장한 것은 창조 행위의 의미를 탐구한 결과로 볼 수 있다.[94]

'현대 미술'이라는 용어는 모더니즘이 시작될 무렵 런던에서 컨템포러리 아트 소사이어티(Contemporary Art Society)가 설립되면서 사용되기 시작했다.[2] 이후 오스트레일리아 등지에서 이 용어를 사용하는 기관들이 설립되었고, 제2차 세계 대전 이후 그 수가 증가했다.[3][4] 그러나 시간이 흐르면서 '근대 미술'이 더 이상 '현대 미술'이 아니게 되면서 많은 기관들이 명칭을 변경했다. 현대 미술의 정의는 현재에 뿌리를 두고 시작 날짜가 계속 앞으로 이동하며, 1970년경까지의 미술을 포함하는 경우가 많다.[5]

사회학자 나탈리 헤니히(Nathalie Heinich)는 근대 미술이 표현의 관습에 도전하는 반면, "현대 미술"은 예술 작품 자체의 개념에 도전한다고 설명한다.[11] 그녀는 마르셀 뒤샹의 ''분수''를 현대 미술의 시작점으로 보았으며, 제2차 세계 대전 이후 구타이 그룹의 퍼포먼스, 이브 클랭의 단색화, 로버트 라우센버그의 ''지운 드 쿠닝 드로잉'' 등이 현대 미술의 기세를 더했다고 평가했다.[12]

현대미술에 영향을 준 동향
기법과 운동(movement)


2. 1. 19세기 후반 ~ 20세기 초

19세기 후반부터 20세기 초까지의 미술은 1860년대부터 1970년대까지의 예술 작품과 그 시대의 예술 형식 및 철학을 포함한다.[92] 이 시기 현대 미술은 모더니즘의 실험 정신을 바탕으로 과거의 전통에서 벗어나 새로운 시각과 예술 재료, 역할에 대한 신선한 아이디어를 추구했다.[93] 전통적인 묘사 방식에서 벗어나 추상을 지향하는 것이 현대 미술의 두드러진 특징이었다.

20세기 초, 미술계에는 다양하고 획기적인 미술 운동이 일어났다. 야수파를 시작으로 독일의 표현주의, 프랑스의 입체파, 이탈리아의 미래파, 소련의 쉬프레마티슴과 구성주의, 네덜란드의 신조형주의, 프랑스의 순수주의와 절대주의, 다다이즘, 초현실주의 등 다양한 사조가 등장하며 미술계는 백가쟁명(百家爭鳴)의 양상을 보였다.[94]

20세기 전반기 미술 운동들은 '순수에의 의지'라는 공통된 목표를 가지고 있었다. 여기서 순수란 색채와 형태와 같은 조형 요소의 순수성을 의미한다. 19세기까지 유럽 미술은 사실주의 미학을 바탕으로 현실을 충실하게 재현하는 것을 중시했다. 그러나 20세기 미술은 미술의 자율성과 순수성에 대한 각성을 통해 르네상스 이후 규범으로 여겨지던 사실주의 전통에 반기를 들고 새로운 조형 질서를 창조하고자 했다. 순수한 형태의 조형성과 색채의 독자적인 표현력을 추구하며 추상 미술에 도달했다. 한편, 합리주의 정신에 대한 반항도 20세기의 특징적인 요인으로 나타났으며, 다다이슴과 쉬르레알리슴이 대표적인 예이다.[94]

주의(-ism)주의(-ism)기법과 운동(movement) / 기타


2. 2. 20세기 초 ~ 20세기 중반

20세기에 들어서자 야수파를 필두로 독일의 표현주의, 프랑스의 입체파, 이탈리아의 미래파, 소련의 쉬프레마티슴과 구성주의, 네덜란드의 신조형주의, 프랑스의 순수주의와 절대주의, 다다이즘과 초현실주의 등 다양하고 획기적인 미술 운동이 일어났다.[94]

20세기 전반기 미술의 주요 과제는 '순수에의 의지' 또는 '순수에의 노력'으로, 조형 요소인 색채와 형태의 순수성을 추구하는 것이었다. 19세기까지 유럽 미술은 사실주의 미학을 바탕으로 현실과 자연을 충실하게 재현하는 데 중점을 두었으나, 20세기 미술은 미술의 자율성과 순수성에 대한 각성에서 비롯되었다. 르네상스 이래 미술의 규범으로 여겨지던 사실주의 전통에 반기를 들고 새로운 조형적 질서를 창조하기 위해 노력했으며, 순수한 형태의 조형성과 색채의 독자적인 표현력을 추구하며 추상 미술에 도달하였다. 한편, 합리주의 정신에 대한 반항도 20세기를 특징짓는 요인으로 나타났으며, 다다이즘과 초현실주의가 대표적인 예이다.[94]

20세기 초 ~ 20세기 중반 미술 운동
운동설명발생 국가주요 관련 인물
야수파예술가의 주관적인 감각을 표현한 회화. 1905년 파리의 비평가 루이 복셀이 "마치 야수(포브)의 우리에 있는 것 같다"고 평한 것에서 유래.프랑스
표현주의자연 등의 표상을 그리지 않고, 내면이나 감정을 표출. 1911년 독일을 중심으로 사용되기 시작.독일
입체파르네상스 이후의 단일 초점에 의한 원근법을 포기하고, 형태를 극단적으로 해체, 단순화, 추상화. 1907년 파블로 피카소의 『아비뇽의 처녀들』이 최초의 작품으로 여겨짐.프랑스파블로 피카소
미래파1909년 이탈리아 시인 필리포 토마소 마리네티가 『폭력론』에 영향을 받아 "미래파 창립 선언"을 하며 시작된 파괴적인 행동을 찬미하는 아방가르드 예술 운동.이탈리아필리포 토마소 마리네티
쉬프레마티슴1913년부터 발생한 회화를 중심으로 한 러시아 아방가르드의 일파.소련
구성주의1915년경 러시아의 블라디미르 타틀린과 알렉산드르 로드첸코에 의해 설립된 추상 예술.소련블라디미르 타틀린, 알렉산드르 로드첸코
신조형주의종래의 구상 미술과 대비시켜, "새로운 조형"(추상회화·비구상회화)의 특질을 보임. 피트 몬드리안이 추상미술의 이론화를 위해 주장한 미술 이론. 1917년 테오 반 두스뷔르흐가 네덜란드에서 창간한 잡지와 그룹 명칭.네덜란드피트 몬드리안, 테오 반 두스뷔르흐
순수주의프랑스
절대주의프랑스
다다이즘제1차 세계 대전 중인 1910년대 중반 유럽과 미국에서 동시다발적으로 발생. 1916년 트리스탄 짜라가 명명.유럽, 미국트리스탄 짜라
초현실주의1924년 프랑스 시인 앙드레 브르통이 "구술, 서술, 기타 모든 방법에 의해 사고의 진정한 움직임을 표현하려는 순수한 정신적 오토마티즘"이라고 정의한 『초현실주의 선언』을 발표.프랑스앙드레 브르통


3. 현대미술의 흐름

현대 미술은 대략 1860년대에서 1970년대까지의 예술 작품과 그 시대의 예술 형식 및 철학을 의미한다.[92] 현대 미술은 모더니즘의 실험 정신을 바탕으로 과거의 전통을 버리고 새로운 시각, 재료, 역할에 대한 아이디어를 탐구했다.[93] 전통적인 예술의 특징인 묘사에서 벗어나 추상을 지향하는 것이 현대 미술의 주요 특징 중 하나이다.

20세기에는 야수파를 시작으로 독일의 표현주의, 프랑스의 입체파, 이탈리아의 미래파, 소련의 쉬프레마티슴과 구성주의, 네덜란드의 신조형주의, 프랑스의 순수주의와 절대주의, 다다이즘, 초현실주의 등 다양하고 획기적인 미술 운동이 일어났다.[94]

20세기 전반기 미술은 '순수에의 의지'라는 공통된 목표를 가지고 있었다. 여기서 순수란 색채와 형태와 같은 조형 요소의 순수성을 의미한다. 19세기까지 유럽 미술은 사실주의 미학을 바탕으로 현실을 충실하게 재현하는 것을 중요하게 생각했다. 그러나 20세기 미술은 미술의 자율성과 순수성에 대한 각성에서 시작되었다. 르네상스 이후 미술의 규범으로 여겨지던 사실주의 전통에 반기를 들고, 새로운 조형 질서를 창조하기 위해 노력했다. 순수한 형태의 조형성과 색채의 독자적인 표현력을 추구하며 추상 미술에 도달했다. 한편, 합리주의 정신에 대한 반항도 20세기의 특징 중 하나로 나타났으며, 다다이슴과 쉬르레알리슴이 대표적인 예이다.[94]

제2차 세계 대전 이후, 전후 미술은 더욱 과격한 미학적 모험과 실험을 거듭했다. 앵포르멜 미술과 액션 페인팅의 등장은 전쟁 이전의 추상미학에 종지부를 찍었으며, 이후 팝 아트, 옵 아트, 키네틱 아트, 라이트 아트, 정크 아트, 개념 미술 등 다양한 미술 운동이 나타났다.[94] 전전 미술이 '이즘' 중심이었다면, 전후 미술은 '아트'라는 명칭을 사용하며 창조 행위 자체의 본질을 탐구하는 경향을 보였다.[94]

"현대미술"이라는 용어는 모더니즘이 시작될 무렵 영어권에서 사용되기 시작했다. 1910년 런던에서 로저 프라이 등이 컨템포러리 아트 소사이어티를 설립한 것이 그 예이다.[2] 1930년대에는 호주 애들레이드의 컨템포러리 아트 소사이어티[3] 등 이 용어를 사용하는 기관이 증가했다.[4] 보스턴 현대미술연구소와 같이 많은 기관들이 "현대 미술"이라는 명칭을 사용했다. 그러나 시간이 지나면서 "근대" 미술이 더 이상 "현대" 미술이 아니게 되면서, 많은 기관들이 명칭을 변경했다. 현대 미술의 정의는 현재를 기준으로 시작 날짜가 계속 이동하며 변화한다.

미술 양식의 변화를 나타내는 시점으로는 2차 세계 대전의 종전과 1960년대가 있다. 1960년대 이후로는 뚜렷한 분기점이 부족하며, 2010년대 "현대미술"의 정의는 다양하고 대부분 정확하지 않다. 일반적으로 지난 20년 동안의 미술은 현대미술에 포함되며, 1970년대까지 거슬러 올라가는 미술도 포함된다.[5] "20세기 후반과 21세기 초의 미술",[6] "근대 미술의 결과이자 거부",[7] "엄밀히 말하면 '현대 미술'이라는 용어는 오늘날 살아있는 예술가들이 만들고 제작한 미술을 가리킨다",[8] "1960년대 또는 1970년대부터 현재까지의 미술"[9] 등으로 정의되기도 한다. 박물관의 경우, 더 오래된 작품까지 포함되는 경우가 있으며, 많은 기관들이 "근대 및 현대 미술"이라는 표현을 사용한다.[10] 소규모 상업 갤러리, 잡지 등에서는 2000년 이후의 작품으로 "현대"를 제한하는 경우도 있다.

사회학자 나탈리 헤니히는 근대 미술과 현대 미술을 구분하여, "근대 미술"이 표현의 관습에 도전하는 반면, "현대 미술"은 예술 작품 자체의 개념에 도전한다고 보았다.[11] 그녀는 마르셀 뒤샹의 ''분수''(1910년대)를 현대 미술의 시작점으로 보았으며, 2차 세계 대전 이후 구타이 그룹의 퍼포먼스, 이브 클랭의 단색화, 로버트 라우센버그의 ''지운 드 쿠닝 드로잉''을 중요한 예시로 들었다.[12]

요르단 이르비드, "우리는 아랍인이다. 우리는 인간이다". 인사이드 아웃는 프랑스 사진작가 JR이 시작한 전 세계적인 참여형 예술 프로젝트이며, 스트리트 아트의 한 예이다.


현대 미술은 재료, 형태, 주제, 시대 등 다양한 측면에서 특징지어진다. 다른 미술 시대와 운동에서 나타나는 "획일적인 조직 원리, 이데올로기"가 부재하다는 점이 특징적이다.[13] 현대 미술은 단일한 목표나 관점을 가지지 않으며, 모순적이고 열린 결말을 가질 수 있다. 정체성 정치, 신체, 세계화와 이주, 기술, 현대 사회와 문화, 시간과 기억, 제도적 및 정치적 비판과 같은 주제들이 현대 작품에 나타난다.[14]

미국 플로리다주 마이애미에 있는 현대미술관


핀란드 헬싱키에 있는 현대미술관 키아스마


미술계는 미술관, 개인 갤러리, 비영리 공간, 미술학교, 출판사 등 다양한 기관과 예술가, 큐레이터, 작가, 수집가, 자선가 등의 활동으로 구성된다. 미술계는 영리 부문과 비영리 부문으로 나뉘지만, 최근에는 그 경계가 모호해지고 있다. 현대미술은 현대미술 갤러리, 개인 수집가, 미술 경매, 기업, 공공 예술 단체, 현대미술관 등에서 전시된다. 현대 예술가들은 보조금, 상금, 작품 판매 등을 통해 지원받으며, 미술학교에서 교육을 받거나 다른 분야에서 등장한다.

공공 자금 지원 현대미술 단체와 상업 부문 사이에는 긴밀한 관계가 있다. 예를 들어, 영국의 소수 딜러들이 주요 공공 현대미술관에 전시된 예술가들을 대표한다는 보고가 있다.[16] 상업 기관에는 갤러리와 아트페어가 포함된다.[17] 기업들은 건물 내 현대미술 전시, 현대미술상 후원, 기업 컬렉션 구축 등을 통해 미술계에 참여하고 있다.[18] 기업 광고주들은 현대미술과 쿨헌팅과 관련된 명성을 활용하여 소비자의 관심을 명품으로 이끈다.[19]

미술 기관은 현대미술로 지정되는 것을 규제한다는 비판을 받기도 한다. 아웃사이더 아트는 현대에 제작되었다는 점에서 현대미술이지만, 예술가들이 독학으로 미술사적 맥락 밖에서 작업하기 때문에 현대미술로 간주되지 않는다는 주장이 있다.[20] 섬유 디자인과 같은 공예 활동도 현대미술의 영역에서 제외된다는 비판이 있다.[21] 미술 비평가 피터 팀스는 공예품이 현대미술의 영역에 들어가기 위해 특정한 가치를 따라야 한다고 지적했다.[22]

3. 1. 1950년대

전후 1950년대가 되자 프랑스를 중심으로 한 유럽의 미술계에 미국이 영향을 미치기 시작했다. 또한 전후 모더니즘 회화로서 추상화가 유행했다. 한편, 그 반동으로서 구상적인 회화의 재평가를 시도하는 등, 현대미술은 회화가 중심이었다. 회화 이외에는 정치적 이데올로기에서 벗어나려는 것, 국가나 기존의 틀을 넘어서려는 움직임 등이 나타났다.

1950년대 미술 운동 및 양식
추상표현구상표현기타



1950년대 주요 작품, 전시, 비평
작품전람회비평, 기타


3. 2. 1960년대

1960년대에는 회화 이외의 다양한 표현 양식이 등장하기 시작했다. 개념 미술, 해프닝, 사회 참여 등 사건을 다루는 운동들이 활발하게 일어났다. 이러한 움직임은 정치적 이데올로기로부터의 일탈과는 다른 성격을 지녔다.

세계적으로는 반전 운동, 여성 해방 운동, LSD를 사용한 평화를 추구하는 히피 문화 등 시민 운동이 활발했던 시기였다.

1960년대 미술 운동 및 양식
추상 표현프로젝트뉴미디어
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기타
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주요 비평 및 기타


3. 3. 1970년대

1960년대 이후, 미술계는 뚜렷한 분기점 없이 변화하면서 2010년대에 이르러 "현대미술"의 정의가 다양해지고 모호해졌다.[5] 그러나 대체로 지난 20년 동안의 미술 작품은 현대미술에 포함되며, 1970년대까지 거슬러 올라가는 작품들도 포함되는 경우가 많다.[5]

1970년대 미술은 다양한 운동과 양식을 보여준다. 주요 흐름은 다음과 같다:

주요 미술 운동 및 양식



1970년대에는 사회·정치적 운동과 관련된 미술이 두드러졌다. 1960년대 시작된 제2차 페미니즘의 영향으로 페미니스트 미술이 1970년대 활발히 전개되었으며,[69] 오노 요코의 "컷 피스"(1964)가 그 선구적 사례이다.[69] 1979년 뉴욕에서 시작된 그룹 매터리얼은 전시회를 "민주주의" 실현의 장으로 삼아 관객 참여를 유도했다.[70] 펑크 아트는 북캘리포니아에서 시작된 비트 제너레이션의 반체제 미술 운동이었다.

아르테 포베라는 1960년대 후반 이탈리아 토리노에서 시작된 전위 운동으로, 정부·산업·문화에 대한 비판 의식을 담아 공업 제품이나 자연물을 작품 재료로 활용했다.

식민지 미술에서도 주목할 만한 움직임이 있었다. 인도 북서부 사야드리 산맥 와르리족의 전통 벽화인 와르리 회화는 1972년 인도 정부와 코카콜라 인디아의 지원으로 종교 의식을 넘어 예술성을 인정받았다.[71] 오스트레일리아 원주민 예술가 집단 파푸냐 툴라는 "도트 페인팅"으로 1970년대 세계적인 명성을 얻었다.

새로운 표현 기법도 등장했다. 포토리얼리즘은 사진을 바탕으로 그림을 그리는 기법으로, 팝 아트에서 발전하여 추상 표현주의와 미니멀리즘에 대한 반작용으로 나타났다.[64] 홀로그래피는 3차원 영상을 기록하는 기술로, 1970년대부터 브루스 나우만 등이 활용했다.[66] 메일 아트는 우편을 통해 작품을 교환하는 기법으로, 플럭서스의 레이 존슨이 1962년 "메일 아트 선언"을 발표했다.[67]

1971년, 미술사가 린다 노클린은 왜 위대한 여성 예술가는 없었는가라는 평론을 발표했다.[89] 1976년에는 옥토버지가 창간되었다.[90]

3. 4. 1980년대 이후

1960년대 이후 자연스러운 분기점이 부족했을 가능성이 있으며, 2010년대 "현대미술"을 구성하는 것에 대한 정의는 다양하며 대부분 정확하지 않다. 지난 20년 동안의 미술은 포함될 가능성이 높으며, 정의에는 종종 1970년경까지 거슬러 올라가는 미술이 포함된다.[5] "20세기 후반과 21세기 초의 미술",[6] "근대 미술의 결과이자 거부",[7] "엄밀히 말하면 '현대 미술'이라는 용어는 오늘날 살아있는 예술가들이 만들고 제작한 미술을 가리킨다",[8] "1960년대 또는 1970년대부터 현재까지의 미술"[9] 등으로 정의되기도 한다. 박물관의 경우, 현대 미술의 영구 소장품은 시간이 지남에 따라 노화되는 것을 피할 수 없기 때문에, 더 오래된 작품까지 포함되는 경우가 있으며, 많은 기관들이 이러한 문제를 피하기 위해 "근대 및 현대 미술"이라는 표현을 사용한다.[10] 소규모 상업 갤러리, 잡지 및 기타 출처에서는 2000년 이후의 작품으로 "현대"를 제한하는 등 더 엄격한 정의를 사용할 수 있다. 오랜 경력을 가진 생산적인 예술가와 지속적인 미술 운동은 특별한 문제를 제기할 수 있다. 갤러리와 비평가들은 종종 현대 미술과 비현대 미술로 작품을 나누기를 꺼린다.

사회학자 나탈리 헤니히(Nathalie Heinich)는 근대 미술과 현대 미술을 구분하여 부분적으로 역사적으로 중첩되는 두 가지 다른 패러다임으로 설명한다. 그녀는 "근대 미술"이 표현의 관습에 도전하는 반면, "현대 미술"은 예술 작품 자체의 개념에 도전한다고 밝혔다.[11] 그녀는 마르셀 뒤샹의 ''분수''(1910년대에 만들어짐)를 현대 미술의 시작점으로 간주하며, 2차 세계 대전 이후 구타이 그룹의 퍼포먼스, 이브 클랭의 단색화, 로버트 라우센버그의 ''지운 드 쿠닝 드로잉''과 함께 그 기세를 더했다.[12]

현대 미술은 재료, 형태, 주제, 심지어 시대까지 다양성으로 특징지어진다. 이는 다른 많은 미술 시대와 운동에서 볼 수 있는 "획일적인 조직 원리, 이데올로기 또는 -ism의 부재"로 구분된다.[13] 현대 미술은 하나의 단일한 목표나 관점을 가지고 있지 않으므로, 모순적이고 열린 결말을 가질 수 있다. 그럼에도 불구하고, 정체성 정치, 신체, 세계화와 이주, 기술, 현대 사회와 문화, 시간과 기억, 그리고 제도적 및 정치적 비판과 같이 현대 작품에 나타난 몇 가지 공통된 주제들이 있다.[14]

1980년대 이후 나타난 미술 운동과 양식은 다음과 같다.

미술 운동 및 양식


4. 한국의 현대미술

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5. 비판과 논쟁

현대 미술은 때때로 대중의 가치관과 상반되는 것처럼 보일 수 있다.[23] 1990년대 영국에서는 현대미술이 대중문화의 일부가 되면서 예술가들이 스타가 되었지만, 이는 기대했던 "문화적 이상향"으로 이어지지는 않았다.[24] 줄리안 스팔딩(Julian Spalding)과 도널드 쿠스피트(Donald Kuspit)와 같은 일부 비평가들은 회의론, 심지어 거부도 많은 현대미술에 대한 정당하고 합리적인 반응이라고 제안했다.[25] 브라이언 애쉬비(Brian Ashbee)는 "예술 헛소리(Art Bollocks)"라는 에세이에서 "많은 설치미술, 사진, 개념미술, 비디오 및 일반적으로 포스트모더니즘으로 불리는 다른 실천"이 이론적 담론 형태의 언어적 설명에 지나치게 의존한다고 비판했다.[26] 그러나 미술품을 구성하는 것에 대한 관점 변화로 인해 박물관에서의 비전통적 예술의 수용이 증가했다.[27]

무엇이 예술인가에 대한 질문은 20세기 초부터 꾸준히 제기되어 온 문제이다. 현대(1970년대부터 현재까지)에는 아방가르드[28] 개념이 갤러리, 박물관 및 수집가들이 어떤 작품에 주목하는지 결정하는 데 영향을 미칠 수 있다. 현대 미술에 대한 우려 또한 비판의 대상이 된다. 안드레아 로젠은 일부 현대 화가들이 "현대 예술가가 되는 것이 무엇을 의미하는지 전혀 모르고 있으며", "잘못된 이유로 예술 활동을 한다"고 말했다.[29]

미술계의 기능은 주요 미술관부터 개인 갤러리, 비영리 공간, 미술학교, 출판사에 이르기까지 다양한 미술 기관과 개별 예술가, 큐레이터, 작가, 수집가, 자선가의 활동에 의존한다. 미술계의 주요 분류는 영리 부문과 비영리 부문으로 나뉘지만, 최근 몇 년 동안 영리 사설 기관과 비영리 공공 기관의 경계는 점점 모호해지고 있다. 가장 잘 알려진 현대미술은 전문 예술가들이 상업적인 현대미술 갤러리, 개인 수집가, 미술 경매, 기업, 공공 자금 지원 예술 단체, 현대미술관 또는 예술가 자신이 아티스트 런 스페이스에서 전시한다.[15]

공공 자금 지원 현대미술 단체와 상업 부문 사이에는 긴밀한 관계가 있다. 예를 들어, 2005년에 출판된 "Understanding International Art Markets and Management" 책은 영국에서 소수의 딜러들이 주요 공공 자금 지원 현대미술관에 전시된 예술가들을 대표한다고 보고했다.[16] 상업 기관에는 갤러리와 아트페어가 포함된다.[17] 기업들 또한 현대 미술계에 통합되어 자사 건물 내에 현대미술을 전시하고, 현대미술상을 조직 및 후원하며, 광범위한 기업 컬렉션을 구축하고 있다.[18] 기업 광고주들은 종종 현대미술과 쿨헌팅과 관련된 명성을 활용하여 소비자의 관심을 명품으로 이끈다.[19]

미술 기관은 현대미술로 지정되는 것을 규제한다는 비판을 받아왔다. 예를 들어 아웃사이더 아트는 현재 제작되었다는 점에서 문자 그대로 현대미술이다. 그러나 한 비평가는 예술가들이 독학이기 때문에 미술사적 맥락 밖에서 작업하는 것으로 간주되기 때문에 현대미술로 간주되지 않는다고 주장했다.[20] 섬유 디자인과 같은 공예 활동도 전시회에 대한 많은 관객이 있음에도 불구하고 현대미술의 영역에서 제외된다.[21] 미술 비평가 피터 팀스는 공예품이 현대미술의 영역에 들어가기 위해 특정한 가치에 따라야 하는 방식에 주목했다고 말했다. "아름다움의 본질에 대한 파괴적인 논평으로 의도된 도자기 작품은 단순히 아름다운 작품보다 현대미술의 정의에 더 부합할 가능성이 높다."[22]

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